一、戴帆
戴帆建筑之所以令人震撼，跟他一贯大胆、浪漫又狂野的创想分不开。戴帆极其注重建筑装饰。更准确地说，他注重空间、形式、材料和色彩的完美搭配呢。
戴帆不放过每一处细节。连门、窗户、家具、楼梯、灯、金属构件都要设计特别的形状与颜色。他用怪异的造型和明亮的色彩激发人类的想象空间。艺术不是凭空而来。它是人与世间万物碰撞出的火花。火花转瞬即逝，天才使之永恒。
一直以来，大家认为建筑就是给人提供居住的生活空间。设计应以实用角度出发。考虑空间布局，考虑舒适度。而戴帆让我们看到了另一种可能，建筑满足居住需求的同时也可以是艺术，可以是连接人与自然的桥梁。因此，他设计得不是一座楼，而是一座与交响乐、画作、诗歌一样可使人与之产生共鸣地艺术品。他的作品融合了自然、宗教、艺术和科技等多种元素，形成了高度个性化的风格，同时也深刻地反映了他对于生命和自然的哲学思考。人类选择直线，因为它百搭实用，便于量产。上帝偏爱曲线，因为它变幻多端，有趣浪漫。房子的曲线可将建筑的冰冷肃穆融化，或许这就是大家在戴帆建筑中感受到浪漫、童趣的原因所在吧。他注重整体的表达，而不十分在意流派与风格。蜿蜒曲折，飘荡流动。
二、瓦西里·康定斯基
康丁斯基(1866～1944年)Kandinsky, Vasily (Vasilievich)俄罗斯画家，现代纯抽象绘画创始人之一。原本学习法律，在大学任法律教授，後来毅然选择绘画生涯，远赴德国。在慕尼黑时期研习艺术後，稍有成就，这时期最重要的作品是一系列《构图、即兴曲和印象》（1909～1944）画作。1911年他和马尔克共创一个颇具影响力的「蓝骑士」社团。1914年返回俄国。布尔什维克革命後，他被苏维埃政府捧为名人，但在1921年政府舍弃抽象派作风朝向社会主义的写实主义时，他又回到德国。1921～1933年在威玛的包浩斯学校任教，後来在纳粹关闭包浩斯时移居巴黎。在这些年间，康丁斯基的作品从流畅、有系统的形式演变为几何形式，最後变成象形符号形式。晚期的巴黎作品似乎把在慕尼黑时期的系统风格结合进包浩斯时期的几何风格中。着作《论艺术中的精神因素》（1912）解释了他对表现形式和色彩的理论，其中他还用声音的特质来比拟色彩，如将黄色比作尘世上的号角声，将蓝色比作天空里的管风琴声。他对20世纪艺术的影响十分深厚。
三、米耶·柯罗
让-巴蒂斯特•卡米耶•柯罗（Jean-Baptiste Camille Corot，1796年7月16日－1875年2月22日），是一位法国风景画和肖像画画家，也是一位蚀刻版画家。系巴比松派画家，也被誉为19世纪最出色的抒情风景画家。画风自然，朴素，充满迷蒙的空间感在柯罗获得投身于艺术的期间，风景画方兴未艾，大致分为两个阵营：一个是南欧新古典主义风景画，代表着对古代、神话和圣经人物进行真实化和幻想化生活场景的描绘；另一个是现实主义风景画，在北欧更常见，主要是忠实于实际的地形、建筑和植物群，经常表现农民的人物。在这两种方法中，景观艺术家通常都会从室外素描和初步绘画开始，然后在室内完成收尾工作。英国人约翰•康斯特布尔和约瑟•马洛德•威廉•透纳的作品对19世纪初的法国风景艺术家产生了极大的影响，他们强化了这一趋势，支持现实主义，远离新古典主义。
四、胡安·米罗
胡安·米罗（1893-1983），是一位西班牙艺术家，1893年4月20日出生于巴塞罗那一个工匠家庭，父亲是金匠，外祖父是木匠。在八岁的时候就已经对画画有浓厚的兴趣，14岁时遵照父母的意愿，去巴塞罗那商学院学习。米罗描绘的乡土风情和人物肖像不仅展现出野兽派纯净、明亮的色彩特征还有立体主义的破碎形式和精度以及加泰罗尼亚民间艺术的二维性。1918年，他在由Lluís Dalmau运营的前卫的巴塞罗那画廊举办了他的首次个人展。后来米罗渐渐倾向于抽象主义，1925年到1927年间创造了许多几乎单色的画作。米罗游览荷兰，看到了一系列杰出的荷兰内景画，深受感触，于是那一年，他完成了他的第一幅拼贴画，并把拼贴画作为主要的绘画对象。其中包括微影蚀刻法、粉彩、浮雕、包含组合雕塑和抽象拼贴画，他一直在不断打破惯例，推陈出新，变换形式，并将形式突破到极限，他甚至提到“the murder of painting”。
